“Sonoro” es el nuevo álbum discográfico de Panteón Rococó

-Con él celebran tres décadas de impecable trayectoria artística.

-Un recorrido musical de lo que es su estilo tan peculiar fusionado con varios géneros.

Por Mino D’Blanc.

“Sonoro” es el nuevo disco de la icónica banda mexicana Panteón Rococó, mismo que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Este material con el que celebran tres décadas de impecable trayectoria, destaca por su diversidad precisamente sonora, logrando una fusión extraordinaria de géneros que van del ska al rock steady, el reggae, drum & bass, blues, reggae, jazz rock y no podría faltar el rocanrol sobretodo mexicano. Y es que con “Sonoro”, Panteón Rococó festeja la esencia que ha sido su “bandera sonora” a través de estos seis lustros.

En “Sonoro”, Panteón Rococó tiene colaboraciones muy importantes que amplían su espectro musical, como Carín León, Remmy Valenzuela, Sabino, LNG/SHT y Josh Waters Rudge de “The Skints”.

Al discernir sobre la diversidad sonora no se puede omitir también la diversidad literaria y por ende temática que tiene “Sonoro”. En las letras de las canciones, Panteón Rococó ahonda desde la intimidad hasta la crítica social, desde la fiesta hasta el escondite idóneo que es el corazón de la persona amada ante las simulaciones y la falsedad social; desde el reconocimiento a un héroe extranjero –el monarca etíope Haile Selassie- hasta el exhorto a cuidar y salvar nuestro planeta. Es que “Sonoro” es en sí un álbum en donde cabe toda la sociedad mundial tomando como base los problemas, las circunstancias, los deseos, el amor, el desamor, los sueños y hasta el orbe, partiendo desde la forma de vida y forma de ser de la sociedad mexicana en todos los estratos.

Este es un análisis realizado por el que esto escribe, de cada una de las canciones que incluye “Sonoro”:

 1.- “ROJO”: la fusión del sonido inconfundible de Panteón Rococó con el del rocanrol de los sesentas y el estilo A Go-Go.

“Rojo” es una canción en la que sin perder en ningún momento el sonido inconfundible de Panteón Rococó, lo fusionan con líneas melódicas y armónicas del rocanrol clásico de los sesentas y en ciertos momentos con el estilo A Go-Go que era la “onda juvenil” de esos años. Los cuatro primeros compases de la canción son únicamente con rasgueos con guitarra eléctrica  que inician en tonalidad mayor. Dicho instrumento sigue la misma línea armónica y rítmica durante los siguientes compases en que entran al quinto un sonido de un órgano Hammond –el más usado en el rock a nivel mundial precisamente en esas épocas-; la batería y el bajo mantienen la estructura sonora que caracteriza a la icónica banda. En el sexto compás sobre el mismo sonido del órgano, entran los metales en la misma nota para después sobre la línea melódica instrumental y la línea rítmica fusionar el sonido que se usa con ellos en el rocanrol. Al entrar la voz de Dr. Shenka, vocalista de Panteón Rococó, durante las primeras estrofas solo hacen uso de la instrumentación base (bajo, batería, percusiones, guitarras y teclado). Cabe mencionar que lo que hace muy ricas auditivamente esas estrofas es el juego que hace la batería al intercalar el ritmo estilo rocanrolero con el ska. A las siguientes estrofas se suma el trombón. En el coro se integran nuevamente los metales; la voz de Dr. Shenka sigue sobre su misma tesitura vocal, mientras que la segunda voz hace la octava aguda. El primer puente musical dura dos compases. La segunda parte de “Rojo” instrumentalmente hablando es prácticamente igual que la primera, solo que hay momentos en que introducen coros en partes en donde no lleva letra. El segundo puente musical lleva un solo en el que el baterista demuestra su extraordinaria calidad. Sobre dicho solo en algunas partes muy pequeñas entra la guitarra eléctrica y en otras unos coros.  El preámbulo para que la canción regrese al coro es una nota alargada del órgano Hammond sobre el sonido de los otros instrumentos que se vuelven a integrar. La primera parte de dicho coro es normal y la segunda sube de tono, lo que hace mucho más rica y compleja y es el final de la canción, en que sobresalen los metales.

En relación a la letra de “Rojo” es directa, sin uso de ningún tipo de metáforas. Habla sobre una persona que se considera un tanto torpe a la hora de buscar el amor. La literalidad también es muy apegada precisamente a la forma en que se componían las canciones en la época de oro del rocanrolol en español.

El video oficial de “Rojo” fue realizado en formato animado y ya está disponible y se puede ver en el siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=7SCHAAzNe1E&list=RD7SCHAAzNe1E&start_radio=1

 

2.- “PÁRISON”:

Es una fusión del sonido de Panteón Rococó con la música que se escuchaba en la década de los noventas, así como el flow clásico y el moderno. De hecho, rememora mucho en sonoridad y letra a artistas y agrupaciones icónicas de dicha década.

Musicalmente hablando son muy interesantes las figuras que realiza el bajo, que juega perfectamente con las que hacen la batería y las percusiones. Eso hace mucho más interesante la canción.

Las colaboraciones de Carín León, Remmy Valenzuela, Sabino y LNG/SHT le dan auditivamente una fuerza especial a “Parison”.

El acordeón que se escucha en el tema definitivamente aunque aparece poco, le da un toque muy especial. La ejecución de dicho instrumento es con virtuosidad y está basada en las formas acordeonísiticas del regional mexicano.

Cada uno de los artistas que colaboraron en dicha grabación tiene su propio momento de lucimiento.

La letra combina palabras coloquiales con neologismos y anglicismos, muy usados en la forma de hablar de la juventud actual, sobretodo en las fiestas y lugares de entretenimiento. De hecho, “Parison” es una evocación a la “parranda”, a la “party”, a la “fiesta intensa”.

El video oficial de “Parison” fue realizado en formato animado y se puede ver en el siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=vi_xoFJg2rI&list=RDvi_xoFJg2rI&start_radio=1

 

3.- “90 SEGUNDOS”:

Esta canción combina el rock, el pop y el rap. Comienza con los metales y con guitarra eléctrica con potente distor rememorando el rock británico de la década de los sesentas, en especial la introducción de “Sunshine of your love” (“El brillo de tu amor”) de Eric Clapton que grabó cuando era integrante de la banda Cream.

Esta canción tiene la colaboración de Josh Waters Rudge, de “The Skints”.

Panteón Rococó hace una fusión muy interesante de ska con rock clásico, lo que se podría definir como Clasic Rock Ska.

En el puente musical la trompeta emula parte de “The Green Homet”, música de “El Avispón Verde” compuesta por James Newton Howard.

La canción está dividida en cuatro partes. En relación a la letra, habla de todo el mal que le hemos provocado a nuestro planeta, siendo un llamado a cuidarlo para evitar nuestra extinción. La primera parte es interpretada en español; la fusión del ska y el rock es tranquila realizada con instrumentos base y algunos arreglos melódicos; en la segunda parte que también está en español, sobre la base instrumental entran los metales; la tercera parte que es muy corta está en inglés y la fusión musical va aumentando. La cuarta parte regresa al español y explotan con toda la fuerza el rock y el ska, haciendo uso de toda la dotación instrumental.

El lyric video se puede ver en el link: https://www.youtube.com/watch?v=O0DFsCUjo90

 

 

4.- “DESASTRE”:

Esta canción está dentro del rock pop y el ska en su primera parte. El coro está conformado a voces y emula al rock coral sobretodo de las décadas de los ochentas. El puente musical jamás pierde el estilo de Panteón Rococó.

Es interesante dentro de la línea rítmica que hay una o dos partes que no es respetada como tal y sin embargo, por la forma de interpretarla, las frases más largas quedan perfectamente cuadradas a los compases.

El coro lo interpretan dos frases en inglés y las demás en español. En las estrofas del coro incorporan un órgano Hammond, que le da otra sonoridad al tema y que es perfectamente ensamblado con la dotación instrumental básica (bajo, batería y guitarra eléctrica). Las figuras melódicas que realiza el bajo sobresalen y siempre respetando todo el juego rítmico que hace la batería.

La letra habla de la realidad de muchas personas que viven a diario: el no conseguir trabajo y aun así, ver la vida con positivismo y hasta integrarse a fiestas espontáneamente y asumiendo lo que les puede traer perjudicialmente, como el hecho de terminar su relación o hasta tener problemas con la policía por el sonido tan fuerte de la música y la intensidad de dicho festejo. Al fin y al cabo, para mucha gente su día a día es un “Desastre”.

El lyric video se puede ver en el link: https://www.youtube.com/watch?v=PmC8bvnUgWQ

 

5.- “ESPEJO”:

En la introducción y  durante los primeros compases realizan una fusión entre dixeland, swing y blues, rememorando las entradas musicales de las grandes orquestas como la de Glenn Miller. Los siguientes ocho compases están llenos del sonido inconfundible de  los metales del género ska.

Entra la voz y durante las dos primeras estrofas en relación a instrumentos la canción está conformada por la base musical y en la que brilla mucho el rasgueo de la guitarra, a la vez de ciertos arpegios y figuras melódicas que realiza teniendo. En las siguientes dos estrofas sobre dicha dotación entran nuevamente los metales  en volumen bajo, pero sin que se pierdan auditivamente las líneas melódicas que van realizando.

Las estrofas del coro tienen toda la dotación instrumental y en ellas resalta nuevamente el sonido de la guitarra, al que se incorpora también con mucha brillantez el bajo que va haciendo líneas melódicas al estilo rock jazz. El coro está integrado a dos voces unísonas.

El puente musical está integrado por cuatro compases iguales a la introducción del compás quinto al octavo, pero la resolución para que entre nuevamente la voz la da la guitarra eléctrica.

En las siguientes dos estrofas se vuelve a mantener la instrumentación completa. Entra nuevamente el coro para dar paso a un solo de guitarra eléctrica, la cual, además de la ejecución que es muy buena, tiene varios efectos. En la primera parte del mismo y para la segunda parte se integran los metales.

Entra nuevamente un coro a dos voces, pero diferente a los dos anteriores. Se repite nuevamente del quinto al octavo compás, pero esta vez con el coro a primera y segunda voz, para dar pie al final de la canción que termina con la guitarra eléctrica haciendo una escala completamente blues sobre la dotación instrumental.

“Espejo” es una canción que desde el principio, sin duda alguna, es muy interesante tanto musical, como literariamente hablando. La letra es un cuestionamiento sobre la vida de la pareja, al no saber nada de ella y el arrepentimiento del protagonista por las promesas no cumplidas y los errores cometidos en el tiempo que estuvieron juntos.

El lyric video se puede ver en el link: https://www.youtube.com/watch?v=l7tAtd747aM&list=RDl7tAtd747aM&start_radio=1

 

6.- “BIER & SKA”.

La canción comienza musicalmente muy alegre conservando el estilo puro del ska tanto en la rítmica, como en las líneas melódicas que realizan los metales durante ocho compases a los que precede una figura rítmica a base de redobles y remates que hace la batería. Los siguientes ocho compases están conformados por unas líneas melódicas que hace la guitarra.

Entra la voz y nuevamente la guitarra eléctrica es la que más brilla a través de los contratiempos que va haciendo junto con los de la batería, tan usados en el género.

El puente musical es igual a la introducción. El coro, al igual que otras canciones está hecho a dos voces. Entra otro puente musical de doce compases, en los que los contratiempos los hacen los metales mientras la guitarra eléctrica va haciendo la línea melódica, un órgano va sosteniendo acordes y el bajo y la batería van llevando la rítmica.

Nuevamente entra el coro con figuras melódicas hechas por la brillantez de los metales, para dar paso a otro coro entre cantado y hablado y que se fusiona con figuras rítmicas que van haciendo la batería y las percusiones que son los únicos instrumentos que intervienen en dichos coros durante siete compases y el octavo es el preámbulo a través del glisanndo descendente que realiza un piano para que entren nuevamente los mismos coros que se repiten tres veces pera ya con la dotación instrumental, menos los metales.

Los coros finales no llevan letra como tal, sino son expresiones que aparentemente no tienen ningún sentido, pero que metafóricamente y directamente hablan de vivir el “hoy”. Por eso dichas expresiones dicen “uoy, hoy, hoy, hoy…” interpretados a dos voces octavadas (obviamente grave y aguda) y que ya con toda la dotación instrumental incluyendo los metales que van haciendo otras figuras melódicas, son el término de la canción que termina en nota alargada de voces e instrumentos a dos compases y quedando al final en calderón un órgano.

La letra habla de una persona a la que liquidan de su trabajo por recorte y todos los problemas que tiene que solucionar y los pagos necesarios y obligatorios que tiene que realizar y no tiene dinero para cubrirlos. Para olvidarse un poco de la situación le habla a sus “compas” para hacer un reventón y recuerda cómo conoció a una mujer en ese lugar mientras bailaban ska y de la que se enamoró.

 

7.- “CHA CHA LOVE”:

Voz y música entran desde el principio, después de unos redobles de percusiones. Las dos primeras estrofas son acompañadas por guitarra eléctrica, teclado y batería que van haciendo contratiempos. También intervienen las percusiones con figuras rítmicas muy diferentes a lo que hace el baterista. Obviamente suena el bajo que va ejecutando figuras melódicas muy interesantes.

Entran las estrofas del coro con los metales. Dicho coro tiene una alteración armónica muy buena en los dos últimos compases, lo que la hace ser una canción muy interesante en ese sentido.

Sigue un puente musical en que la línea melódica la realiza la guitarra eléctrica a través del requinto, los metales van haciendo contra cantos a lo que hace precisamente el guitarrista y suenan en algunas partes voces dando expresiones monosilábicas en contratiempo.

Prosiguen dos estrofas igual a las dos primeras, pero ahora la voz cantante es interpretada una octava más aguda. Las estrofas del coro el cantante las interpreta una octava arriba, lo que las hace más contundentes en relación a la letra y más brillantes.

El siguiente puente musical consta de 16 compases y la línea melódica la lleva una trompeta con sordina. Sobre dicha línea melódica la voz cantante va interpretando algunas pequeñas frases “ad libs” en la que le dice a la persona que amaba que ya no la quiere ver más.

Entra nuevamente el coro en la misma tonalidad que el de la segunda parte.

En el final entran sin voz cuatro compases en el que la guitarra eléctrica con efectos como el distor y el compresor hace unas figuras melódicas con quintas sobre los otros instrumentos base. Los siguientes cuatro compases sobre las mismas figuras de la guitarra y la repetición de lo que hace la base, entran los metales hasta el remate de la batería que da pie al último compás en donde suenan únicamente los metales y el órgano que da un acorde más largo.

La letra trata del análisis que le hace una persona a la monotonía de los errores en su  relación de pareja y que por bien de los dos y por la costumbre que han llevado en relación a sus diferencias, decide terminar y no volverle a ver nunca más.

 

8.- “SONORO”:

Es la canción que le da nombre al disco. La introducción lleva el clásico sonido del ska ejecutado a través del bajo, la batería, percusiones y el órgano, mientras la guitarra va haciendo un requinto con tonos graves en género Country. Es como emulando a temas como “Jinetes en el cielo” de Stan Jones. En el cuarto compás la percusión hace una figura rítmica estilo samba. Después de ocho compases y sobre la misma introducción el bajo en el octavo compás hace un glissando para dar pie a que se integren los metales que realizan sobre el mismo ritmo inicial unas figuras melódicas en género jazz rock, muy al estilo de bandas como Chicago o Eart Wind & Fire.

La letra habla sobre la fuerza e importancia que tiene la palabra “Sonoro” en muchos aspectos de la vida, desde la intimidad, el amor, hasta la calle y la conexión y la comunicación que tiene dicha palabra en las personas.

Después del coro, entran nuevamente los metales en género jazz rock sobre la base rítmica del ska.

Sigue la segunda parte cantada para después cambiar el ritmo en el que predomina la figura melódica de la guitarra y dando fuerza a la literalidad de “Sonoro”: “si todas las voces se hicieran una / una sería suficiente para conectar”;  después de esto y sobre la misma segunda parte, entra nuevamente la guitarra en contratiempo sobre la base del ska mientras la voz cantante interpreta durante dos veces “y comunica-ar” alargando la nota. Nuevamente entran los metales en jazz rock sobre la base rítmica, mientras a tiempo en algunos compases la voz cantante entona “sonoro”.

El lyric video de “Sonoro” se puede ver en el siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=ANUpBEo7QGo&list=RDANUpBEo7QGo&start_radio=1

 

9.- “EL NEGUS” HAILE SELASSIE:

En género ska y rap con fusión de ritmos africanos, habla sobre el etíope Haile Selasiie y el fascismo que tanto sufrió su país cuando él fue monarca de dicha nación y el ejército italiano fascista estando como presidente Benito Mussolini lo invadió. Aborda obviamente el derecho de la justicia para todos, aunque como dice la canción “es un lujo que no puedes comprar”. Discierne sobre lo que pasó precisamente en el año 1935, el jueves 3 de octubre, cuando comenzó la segunda guerra Italo Etiope y la única forma que tenían de sobrevivir los etiopes era renunciando a sus propias raíces.

“El Negus” recrimina a las Naciones Unidas y al mundo de que conociendo la situación no hicieron nada por ayudar a Etiopía. Compara a México con dicho país africano en relación a los despojos que ha sufrido en su historia y recrimina también a los Estados Unidos usando hasta la consabida frase de “tan lejos de Dios, tan cerca de los gringos”.

La segunda parte de la canción que va después de un puente musical en la que solo intervienen instrumentos de percusión y en el que la voz cantante va interpretando “¡Alerta, alerta! ¡Haile Selasiie! ¡Extra, extra! ¡Haile Selassie!”,

En la tercera parte y sobre base de ska y en la que el teclado va haciendo figuras melódicas, emulan a un locutor dando la noticia de cuando el ejército italiano fascista entró a las principales ciudades de Etiopía roseando gases tóxicos que mataron a muchísima gente. México protestó ante las Naciones Unidas ante tal masacre.

En la última parte entra nuevamente el coro que dicta “Haile Selassie, México te abraza con amor / Haile Selassie, justicia de un conquistador! Haile Selassie. Halie Selassie”.

El lyric video se puede ver en el siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=WEy-KvJwhLo&list=RDWEy-KvJwhLo&start_radio=1

 

10.- “PARIA”:

La primera parte es un rock jazz con tinte de reggae. Inicia la primera frase con voz a capela que dicta “todo en la vida es un engaño” para que inmediatamente sobre la segunda frase ya entre la dotación instrumental.

La primera parte lleva instrumentación base más metales en una fusión de reggae con un tipo de soul.

La letra es una crítica social a todo el sistema,

Es muy interesante la forma en que Panteón Rococó juega con los cambios de armonía tanto para pasar al coro, como para pasar a los puentes musicales en esta canción.

El puente musical inicia con un solo de saxofón muy brillante y nostálgico sobre toda la base instrumental, sin perder nunca el ritmo del reggae. Después de los ocho primeros compases del saxofón, se integran los otros metales durante otros ocho compases y jugando de una manera muy elegante con cambios de armonía, para dar paso a la segunda parte de la canción, en la que toda la estructura musical es igual a la primera parte. El remate final de los instrumentos base más los metales son los dos últimos compases. En relación a la voz cantante deja abierta lo último de la canción al no decir una frase final, que obviamente el escucha discierne fácilmente cuál es.

La letra de “Paria” habla sobre todo del caos que hay en el país, y ante todas esas circunstancias el mejor refugio es el corazón de la persona que se ama. Es una crítica social y política a la gran mentira que resulta muchas veces el mundo y la simulación de algunos cuantos sobre los intereses de los demás. Desde el inicio la letra toma con toda fuerza dicha situación, cuando dice “todo en la vida es un engaño, es una farsa, menos tu amor…”.

 

-“Gira XXX Años” de Panteón Rococó:

 

A la par del lanzamiento de “Sonoro”, Panteón Rococó está preparando una gira en la que llevará su experiencia de más de tres décadas a los escenarios más importantes de la república mexicana. Cada concierto será para los asistentes inolvidable y en el que corearán cada uno de los éxitos de la banda, que ya son todos unos clásicos de la música en español, así como los nuevos temas.

Hasta el día de hoy tienen confirmadas las siguientes fechas:

-Noviembre: sábado 15, Forum Imperial en Acapulco Guerrero; sábado 22, Festival Tecate Comuna, en Puebla. Cabe mencionar que es una de las bandas más esperadas por el público asistente a este Festival que se ha convertido en uno de los más importantes no solo del país, sino de la escena de la música en todo el continente; jueves 27 y viernes 28, Estadio GNP Seguros en la Ciudad de México.

-Diciembre: sábado 6, Arena Potosí en San Luis Potosí.

Para el 2026 ya tienen confirmadas fechas hasta para octubre. Son:

-Febrero: jueves 5, Plaza de Toros en Cancún, Quintana Roo; sábado 7, Foro GNP en Mérida, Yucatán; jueves 12, Teatro Morelos, en Toluca, Estado de México; jueves 19, Auditorio Josefa Ortiz de Domínguez en Querétaro; sábado 21, La Velaria, en León, Guanajuato; sábado 28, en el Auditorio Guelaguetza, en Oaxaca.

-Marzo: sábado 7, en el Auditorio Benito Juárez en Veracruz; viernes 13, en el Auditorio Telmex, en Guadalajara, Jalisco.

-Octubre: 31, en el Auditorio Banamex, en Monterrey, Nuevo León.